Leonardo da Vinci (canal Historia)

Benito Quinquela Martín y su barrio - La Boca - Parte 2

Benito Quinquela Martín y su barrio - La Boca - parte 1

Entrevista a Benito Quinquela Martín

Fredrik Ödman - Parte 2

Biografía

• Sus primeras inclinaciones artísticas fueron el dibujo y la pintura, hasta que hace unos 10 años descubrió el mundo de la fotografía y el photoshop que lo ha absorbido por completo.

• Habla inglés, noruego, sueco y danés, pero su lenguaje principal es el pictórico, un lenguaje con el que, a través de sus creaciones, nos describe un mundo a veces oscuro, a veces divertido y a veces aterrador.

• Su trabajo está perfectamente ejecutado, rodeándolo de fantasía y simbología, cuyas dosis de provocación atraen sin duda al espectador.

• Pero no todo en su trabajo son imágenes siniestras y personajes surrealistas. Así, además de sus proyectos característicos ,encontramos otros donde podemos ver desde espectaculares paisajes y escenas de naturaleza (Nature) a fotografías urbanas (Oslo Project) o abstractas composiciones (Bent Stories) o, incluso, publicidad (Assignments).

• La luz y el color siguen siendo el eje sobre el que gira su trabajo y que acentúa el efecto visual de su obra.

• Las nuevas tecnologías, incluidos el 3D, también son una de las bases en las que se cimienta su trabajo, aunque estas no son suficientes a no ser que haya una buena base creativa de fondo, como es su caso.

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Fredrik Ödman - Parte 1

Fredrik Ödman es un fotógrafo sueco (nacido en Ängelholm) que tiene la capacidad de crear una realidad alternativa, difuminando los límites entre la fotografía y la pintura. Sus expresiones experimentales son sorprendentes, lo que del gusto de muchos de sus clientes, demostrando en sus montajes fotográficos una habilidad técnica extraordinaria. 

Me encantan las imágenes con una gran riqueza de detalles, las imágenes en las que el espectador sigue descubriendo nuevos detalles, que le llevan a profundizar más en la imagen.

Muchos artistas se sumergen en la técnica y eso no es bueno. Es posible realizar fotografías excelentes con una cámara barata, pero no se pueden hacer con el equipo más caro si no se ha desarrollado el talento y los conocimientos.  Asimismo, no importa cómo se creó una imagen, es el resultado final lo que es importante.

Técnicas de Rubens y Rembrandt

Murillo, un pintor al servicio de la fe

Eduardo Sivori

Hijo de genoveses, ricos comerciantes y armadores de barcos, entra en contacto con la pintura en los museos de Europa, adonde lo habían llevado los negocios familiares. A su regreso, y contando ya veintisiete años, comienza su formación artística con Francesco Romero, Giuseppe Aguyari y Ernest Charton.

Junto a su hermano Alejandro, Eduardo Sívori es el gran impulsor de la creación de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes en 1876. En 1883 realiza varias colaboraciones artísticas en La Ilustración Argentina, publicación fundada por Pedro Bourel. Financiado por su familia, ese mismo año vuelve a Europa. Entusiasta del arte moderno francés, el destino que elige es París, donde frecuenta la Academia Colarossi y estudia con Raphaël Collin, Puvis de Chavannes y Jean-Paul Laurens, este último un maestro de gran prestigio entre los artistas hispanoamericanos residentes en la capital francesa. Tal como anuncia la prensa local, que más de una vez se ocupa de la trayectoria parisina de Sívori y de otros artistas nacionales, uno de sus dibujos es premiado en un concurso organizado por el periódico Le Fusain.

Desde París el artista envía colaboraciones a El Diario, al igual que lo hará un año más tarde su amigo Eduardo Schiaffino. En 1887 es admitido por primera vez en el Salón de París con Le Lever de la bonne, un desnudo naturalista que despierta comentarios dispares en la prensa francesa, aun cuando el solo hecho de resultar visible para ella –en la innumerable cantidad de obras enviadas al Salón– puede ser considerado un triunfo. La obra, que representa a una criada comenzando a vestirse en la exigua luz de la madrugada, es enviada a Buenos Aires para ser exhibida en el local de la Sociedad Estímulo, y aunque la prensa porteña la promociona como un “escándalo” ya desde dos meses antes de su arribo, genera numerosas adhesiones en el ámbito local. Éstas son recogidas en un álbum con más de doscientas firmas inaugurado por la Sociedad Estímulo de Bellas Artes para dejar testimonio del evento.

Sívori se hace nuevamente presente en el Salón de París en 1888 con La Mort d’un paysan y Sans famille; en 1889 con Dolce far niente y Femmes médécins; y en 1890 con Près du feu y Alouette de barrière (que es reproducida mediante un grabado en el catálogo y más tarde fragmentada por el propio autor). Participa de la Exposición Universal de 1889 y dos años más tarde vuelve a Buenos Aires, donde interviene en la muestra a beneficio organizada por la Sociedad de Nuestra Señora del Carmen en 1891. Por otra parte, forma parte del grupo de artistas e intelectuales que en 1892 fundan el Ateneo, de cuyo primer salón, organizado al siguiente año, oficia como jurado y expositor presentando seis obras. En 1894 Sívori expone en el segundo salón del Ateneo Coquetterie, Entre dos luces y Las guachitas, esta última una de las pocas obras vendidas de toda la exposición.

Hacia fines de siglo su pintura se torna luminosa y radiante, alejándose cada vez más del carácter naturalista de sus primeras obras. Por otro lado, es reconocido como uno de los primeros artistas argentinos en incursionar en la técnica del aguafuerte.

Eduardo Sívori ejerce la docencia durante muchos años. En 1905, siendo presidente de la Sociedad Estímulo, organiza la transferencia al Estado Nacional de la Escuela de Bellas Artes fundada en 1876 por aquella institución. La Escuela pasa a llamarse Academia Nacional de Bellas Artes, y Sívori es su primer vicedirector acompañando en la gestión a Ernesto de la Cárcova, que ocupa el cargo de director. Ambos renuncian en 1908, aunque Sívori se mantiene al frente de algunos cursos. Más tarde actúa como representante de la Comisión Nacional de Bellas Artes, dependiente del ente dedicado a organizar los festejos de los cien años de la Revolución de Mayo. Dicha comisión prepara la Exposición Internacional de Arte del Centenario, abierta al público en 1910.

Es un artista prolífico. Continúa pintando y enviando obras a los Salones Nacionales desde su fundación en 1911 hasta el mismo año de su muerte, ocurrida en 1918.

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La Piedad

Miguel Ángel inició la tarea encomendada a fines de Agosto de 1498, con un proyecto bien claro: la escultura debería verse entera, de modo tal que podría mirarse desde todas las direcciones. El conjunto marmóreo, una vez terminado, tenía una forma redonda cuyas medidas eran de 174 cm. de altura por 195 cm. de longitud de base. La escultura es una composición piramidal y proporcionada, que muestra el cuerpo de Jesús muerto, bajado de la cruz y depositado sobre los numerosos pliegues de las amplias vestimentas que cubren el regazo de la Virgen. El brazo derecho de Jesús cae inerte, en contraposición del brazo izquierdo de María que es libre, lleno de vida y mostrando consternación. El brazo derecho de la Virgen sostiene el torso de Jesús.

Detalle de la cara y el torso de Jesús. Se nota la mano del brazo derecho de la Virgen sujetando el torso de su hijo muerto. El rostro de Jesús, fotografiado de medio perfil, muestra una expresión plácida, casi descansada. Se interpreta como el hecho de que Jesús cumplió su mandato en la tierra y su tranquilidad reemplaza todo signo de la cabeza de la Virgen muestra una joven, bella y piadosa, mirando el cuerpo de su hijo muerto apoyado en los pliegues de sus vestiduras. Su expresión refleja una pena infinita y una gran ternura. Miguel Ángel dio a María una juventud muy extrema comparándola con la de su hijo muerto, pero eso fue intencional. El Artista quiso representar la espiritualidad de la Virgen como condición sobrenatural, la cual no tiene edad y solo muestra una eterna belleza. A su vez, Miguel Ángel creó un Jesús muy tranquilo, satisfecho de haber cumplido su misión.

La observación de la escultura "La Piedad" deja a todos un sentimiento de admiración al Sumo Artista que supo modelar el mármol con su cincel para crear esta maravillosa obra de arte, llena de sentimiento, de expresiones alusivas, y de técnica incomparable.

Su perfecta ejecución generó mucho asombro en toda la sociedad romana de aquel tiempo y hubo quienes pusieron en tela de juicio a su autor, dudando que un escultor tan joven como Miguel Ángel hubiera podido esculpir una obra tan perfecta. Este hecho produjo un arranque de furia al Artista, que impulsivamente grabó en la escultura (en la correa que cruza el pecho de la virgen) las siguientes palabras latinas:
“Michelangelus Bonarrotus Florentinus Faciebat" (Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo).
Unos días antes de cumplirse el plazo para presentar esta obra maestra, "La Piedad" estaba terminada.

Lamentablemente el cardenal había fallecido unos días antes, por lo cual el primer emplazamiento de la escultura fue sobre la tumba del eminente eclesiástico, ubicada en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano, tal como él había predispuesto. La escultura fue luego trasladada (en 1749), a su ubicación definitiva en la Basílica de San Pedro (en la primera capilla a la derecha).
El 21 de mayo de 1972 la escultura fue brutalmente atacada por un perturbado que golpeó el rostro de la Virgen con un martillo, motivo por el que fue necesario restaurarla. Para evitar situaciones similares, La Piedad fue luego protegida adoptando medidas de seguridad.

http://homo-artis.blogspot.com.ar/2011/04/la-piedad-de-miguel-angel.html

Eugène Delacroix (1798-1863)

Eugène Delacroix (1798-1863) es el máximo exponente de la segunda generación de pintores románticos europeos. Continuador de la obra de Géricault, desde sus inicios buscó la fama en los salones oficiales, pero mediante un lenguaje que se oponía a las formas pulidas de los pintores neoclásicos. De ahí su antipatía por Ingres, al que tachaba de ultraconservador.

Autorretrato, 1837.

Sus primeros éxitos le llegan muy joven en la década de los veinte. En 1832 visita Marruecos y se enamora de la luz, del color y del exotismo del lugar, siendo a partir de entonces un tema recurrente hasta el final de sus días. Desde la década de los 40 su obra se hace un tanto repetitiva. El pintor se institucionaliza al trabajar en muchos encargos oficiales e incluso desprecia la revolución de 1848, cuando tanto había alabado la de 1830.

Características artísticas.

Contemplemos este detalle del óleo titulado La muerte de Sardanápalo (1827).

Por encima de cualquier otra característica destaca la emoción, la fuerza o la audacia (como queramos calificarla) que ponía en sus obras. Para él, como buen romántico, la pintura era la mejor manera de reafirmar su individualidad y su sentimiento apasionado.

Todas sus obras están tocadas de un intenso dramatismo. Sus personajes se muestran agitados y en pleno movimiento. A menudo, como esta vez, están viviendo una tragedia. De sus obras emana mucha sensualidad, rayando con el erotismo.

El color es vivo. Gusta de los rojos intensos que tras su visita a Marruecos aún cobrarán más importancia en su obra. La pincelada debe ser suelta, ayudando a crear la atmósfera y el movimiento ¡Qué lejos queda el espíritu neoclásico aferrado a la mesura, la línea y el dibujo!

El artista se implica en los hechos históricos que le toca vivir. En este caso no hay una referencia directa a esta característica, sin embargo, el cuadro que analizaremos posteriormente es la mejor muestra. El pintor, como otros jóvenes románticos de la época se decanta apasionadamente a favor de la independencia griega y de la revolución de 1830.

La matanza de Quios. 1824.

Influencias.

Su obra está influida por la pintura y la escultura de Miguel Ángel, sobre todo, en el modelo humano de sus desnudos y en las posturas retorcidas que adoptan. Es también evidente la influencia de pintores barrocos como Rubens y Rembrandt. Otros pintores que influyen en su obra son sus contemporáneos Gèricault, Constable y Turner.

Su técnica de pincelada breve y vibrante y su concepción del color inspiraron a los impresionistas.

Temática.

En esta presentación podemos hacer un repaso de su producción pictórica. Desde el punto de vista temático su obra es una de las que mejor encaja en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos, literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos románticos. El género del paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.

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LA MUERTE DE SARDANÁPALO

Cuenta la leyenda que Sardanápalo, rey de Asiria en el siglo VII, vivía una vida llena de lujo y libertinaje. Los Medas, una tribu indoeuropea, atacó la ciudad y la asediaron durante dos años. El rey se negó a rendirse y cuando ya no pudieron resistir más ordenó destruir la ciudad con todas sus riquezas. Sardanápalo decidió envenenarse y ordenó que fueran quemadas con él sus esposas, tesoros y criados. A su concubina Mirra le concedió el honor de mezclar sus cenizas con las suyas en una gran pira funeraria que ardió durante quince años.

Eugènedelacroix pintó este gran cuadro basandose en la historia de Sardanápolo, tragedia escrita por Lord Byron en 1821. En el cuadro Sardanápolo, tumbado en su cama, contempla pensativo como sus enemigos entran a través de un hueco en la muralla. A la izquierda vemos al criado que porta el veneno para su suicidio. Las figuras de la composición se retuercen eróticamente en una orgía de tragedia y desesperación.

Sardanápalo era un sátrapa que al ver cercada su ciudad hace matar a las favoritas de su harén y a sus caballos mientras él observa. Esta obra se encuentra basada en un drama de Lord Byron.

La figura del sátrapa está estática, en una actitud de ataraxia, frente al movimiento del resto. La composición es en M, romántica y de fuerte colorido, con dominio del rojo y el color de la sangre y la sensualidad. Destacan los escorzos de la esquina izquierda, y también el movimiento, muy dramático, lo que permite a Delacroix plasmar el sentimiento propio del romanticismo. Existe también un fuerte contraste entre el negro y el blanco, siendo y influencia de lo exótico y también de la pintura veneciana de Tiziano y Veronés. A la izquierda vemos un caballo inspirado en los de Rubens y un esclavo negro tomado de Tiziano.

En el boceto se ve el flujo de energía a través de una pincelada muy suelta, generándose así un movimiento en torbellino. 

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