La altura ideal de las cuerdas

Escala Blues

Mesa redonda inédita Cortázar, Saer, Roa Bastos y Sarquis

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Cómo Cambiar Pastillas

Oscar Aleman - Cuando Los Santos vienen marchando

Oscar Aleman - Delicado

OSCAR ALEMÁN, VIDA CON SWING (2.002) de Hernán Gaffet

The Best Percussion Ever!

Gustavo Cerati - Siempre es hoy - Grabación del disco

JOE SATRIANI - Front And Center 2014

Perfil de un Escritor: 'Borges y yo' [Subtitulado]

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

-Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma. - Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

-Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

-Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.

-Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.

-Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado.

-El cuadro se presenta con la perspectiva geométrica y da la ilusión de profundidad.

-Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.

http://www.educacion.gob.es/exterior/centros/severoochoa/es/departamentos/historia/material_julia/Arte_renacimiento_2_ESO.pdf

THE BEATLES - Como se grabó el Sgt. Pepper (Documental)

Textura musical

La textura musical es la forma en que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza. Designa la forma de relacionarse las diversas voces que intervienen en una pieza musical (entendiendo como voces diversas líneas melódicas simultáneas, sean vocales o instrumentales).

ESTILOS DEL JAZZ - Parte 3

Free Jazz / Avant-Garde. Free Jazz es un estilo totalmente radical. La música ya no es una forma libre continua, sino que los músicos gozan de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido  que les parezca adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los ‘70, es todavía una opción viable para los improvisadores, y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz. El Avant-Garde  se diferencia del Free Jazz en que sus ensembles actúan dentro de una cierta estructura, aunque las improvisaciones en general son igualmente libres de las reglas convencionales.  Obviamente existen elementos básicos que comparten ambos estilos, y gran parte de los músicos identificados como seguidores de un estilo incursionan en el otro.  En las mejores actuaciones de Avant-Garde es difícil determinar cuando termina la composición y comienza la improvisación. (John Coltrane, Ornette Coleman, Don Cherry, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Anthony Braxton, John Carter,  De Blackwell, Paul Bley, Andrew Hill, Steve Lacy).

Fusión. Es un término usado de tal manera en los últimos 25 años que casi no tiene significado.  Originalmente era una mezcla de las improvisaciones del jazz con el poder y ritmos del Rock.   Cuando éste evolucionó y se tornó más creativo y la calidad musical de los músicos rockeros mejoró, y cuando muchos jazzistas se cansaron del Hard Bop y no les interesaba tocar exclusivamente música Avant-Garde o Free Jazz,  los jazzistas y rockeros comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente a unirse. (Miles Davis, Joe Zawinul, Herbie Hancock, Chick Corea, Jaco Pastorius, Lenny White, Dave Weckle, Wayne Shorter, Jean Luc Ponty).

Post Bop o Mainstream Moderno.  Hoy es sumamente difícil caracterizar el jazz moderno. Gran parte de la música no encaja dentro de los estilos de su historia. No es tan influenciado por el Rock ni es tan libre como el Avant-Garde.  Desde los comienzos de 1989, con el surgimiento de Wynton Marsalis, una nueva generación de músicos jóvenes ha decidido tocar un estilo actualizado del Hard Bop, también influenciado por la música del quinteto de Miles Davis de mediado de los años 60. (Wynton y Branford Marsalis, Wallace Roney, Cindy Blackman, Antonio Hart, Vincent Herring, Joshua Redman, John Scofield, Christian McBride, Bill Stewart, Javon Jackson).

http://www.purojazz.com/2008/12/breve-historia-del-jazz/

ESTILOS DEL JAZZ - Parte 2

Bebop. También conocido como Bop, fue un nuevo y radical  estilo que se desenvolvió gradualmente a principio de los años 40, explotando en 1945.  La diferencia entre el Swing y el Bebop es que en este último los solistas usaban acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la melodía después del primer coro.  Los ensembles se hacían en unísono y la mayoría de los conjuntos tenían siete o menos músicos.  Los solistas tenían total libertad en sus improvisaciones, siempre que éstas se ajustaran  a la estructura de acordes del tema.  Los músicos del

Bebop eran virtuosos que tenían la habilidad de tocar  tempi extremadamente rápidos y de manera prolongada.  El Bop se desligó desde su inicio de la música popular y de un público al que le gustaba bailar, elevando el jazz a un nivel de música del arte y así desperdiciando la posibilidad de éxito comercial. Paradójicamente, el que inicialmente se consideró un movimiento radical se convirtió en la base para las innovaciones que surgieron posteriormente. (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Thelonious Monk, Max Roach, Tadd Dameron, Ray Brown, Kenny Clarke).

Cool Jazz (o West Coast Jazz). Este estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50.  Básicamente es una mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias  del Bop, suavizó su tono  y  redujo  los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave.  Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz.   A fines de los años 50 el Hard Bop de la costa este  de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz.  (Lester Young, Miles Davis, Lennie Tristano, Shorty Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, Art Pepper, Gil Evans).

Mainstream. Describe el estilo adoptado por algunos músicos veteranos del Swing  durante los años 50, quienes preferieron modernizar su estilo en vez de tocar Bop o unirse a bandas de Dixieland, aunque muchos lo hicieron para sobrevivir. (Lester Young, Coleman Hawkins, Buck Clayton, Harry “Sweets” Edison, Roy Eldridge).

Third Stream. Un término que describe una fusión del jazz con la música docta.  Los ejemplos de esta mezcla de dos idiomas tan diferentes no han dado gran resultado. (Modern Jazz Quartet, Gunther Schuller).

Hard Bop. Es una extensión del estilo Bop,  en gran parte ignorado por los músicos del West Coast Jazz. Las diferencias básicas entre el Hard Bop y el estilo Bop son varias: las melodías tienden a ser más simples y frecuentemente tienen más  Soul (alma), la sección rítmica es más relajada y toca con soltura,  el contrabajista no está obligado a tocar 4/4 (4 pulsos por  compás: 1-2-3-4- etc.), y se utilizan elementos del Gospel  (música religiosa de los Negros). (Art Blakey y los Jazz Messengers,  Horace Silver Quintet, Clifford Brown/Max Roach,  John Coltrane, Cannonball Adderley, Miles Davis, Lee Morgan, Jimmy Smith, Kenny Dorham, Red Garland, Wes Montgomery, Roy Haynes).

ESTILOS DEL JAZZ - Parte 1

Ragtime. Aunque no es realmente jazz, ya que no tiene improvisaciones ni el enfoque de los blues, es un estilo que tuvo su auge en la última década del siglo IXX, influenció a todos los primeros estilos del jazz que surgieron después.  El Ragtime se asocia más con música de piano, aunque también era interpretado por orquestas.  Su síncopa y estructura, las que mezclan aspectos de la música docta y las marchas, insinúan el jazz, especialmente en algunas de sus melodías (Maple Leaf Rag), las que años más tarde serían interpretadas por músicos del estilo Dixieland.  (Scott Joplin, Joseph Lamb, James Scott, Eubie Blake).

Nueva Orleans. Lamentablemente no existen grabaciones de la música que se tocó en Nueva Orleans desde fines del siglo pasado hasta 1917. Con el éxito de las grabaciones de la Original Dixieland Jass Band, es posible imaginarse  cómo sonaba  esa música. El jazz de Nueva Orleans era un estilo de música con una rígida estructuración de grupo, con papeles estrictamente establecidos para cada instrumento. Generalmente se destacaba el trompetista o cornetista, los que tocaban la melodía, con apoyo armónico del trombón, filigranas del clarinete y un ritmo constante establecido por la sección rítmica, la que normalmente estaba compuesta por piano, banjo o guitarra, tuba o contrabajo y batería. (Buddy Bolden, Louis Armstrong, Muggsy Spaniel, Kid Ory, King Oliver, Sidney Bechet, Johnny Dodds, Jelly Roll Morton, Baby Dodds).

Jazz Clásico. No todo el jazz de los años 20 puede describirse como Nueva Orleans o

Dixieland. La década de los años 20 fue musicalmente muy rica, con las bandas de baile influenciadas por el jazz y un gradual énfasis en los solos, al contrario de las improvisaciones colectivas de los estilos anteriores.  Gran parte de la música de los 20 se puede describir como Jazz Clásico, precursor del Swing. (Louis  Armstrong, Bix Beiderbecke, Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Bessie Smith).

Dixieland. Es un estilo que se superpone con el Nueva Orleans y el Jazz Clásico. También se conoce como Chicago jazz porque se desarrolló en gran parte en Chicago en los años 20. Típicamente, el marco incluye una improvisación colectiva durante el primer coro del tema, seguida por solos individuales  con acompañamiento de los otros instrumentos, el cierre lo hacen todos los instrumentos interpretando el tema y una coda de 4 compases del baterista a la que responde el resto de la banda.  (Louis Armstrong, Jack Teagarden, Eddie Condon, Kid Ory, Pee Wee Russell, Barney Bigard, Edmund Hall, Baby Dodds, Ray Bauduc, Paul Barbarin, Bud Freeman,  Red Allen, Doc Cheatham, Wild Bill Davidson).

Swing. Si bien el jazz de Nueva Orleans se caracteriza por sus improvisaciones en grupo (ensembles), cuando el jazz se hizo popular en los años  20 y la demanda de bandas de baile creció, fue necesario que estos ensembles fueran pasados al pentagrama, especialmente cuando los grupos incluían a más de tres o cuatro vientos.  Aunque el Swing se inició en gran parte cuando Louis Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en 1924 y Don Redman comenzó a escribir arreglos que respondían a las relajadas improvisaciones del cornetista ,  la era del Swing sólo comenzó “oficialmente” en 1935, cuando se hizo famosa la banda de Benny Goodman.  El Swing fue una importante fuerza en la música popular  de Estados Unidos hasta que terminó la era de las big bands, o grandes bandas, en 1946.  El Swing  se diferencia del jazz de Nueva Orleans  y del Dixieland principalmente porque  sus ensembles son más sencillos  y normalmente llenos de frases repetitivas (riffs)  que contrastan con las más sofisticadas improvisaciones de los solistas. (Duke Ellington,  Buck Clayton, Benny Goodman, Roy Eldrige, Coleman Hawkins, Jo Jones, Beny Carter, Gene Krupa, Lionel Hampton, Harry James, Tommy y Jimmy Dorsey, Artie Shaw,  Count Basie).

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